[리뷰] 제45회 서울연극제 자유참가작 500자 리뷰

백승무(TTIS 편집장, 연극평론가)

무대는 빈상자로 둘러싸여 있다. 상자는 그 ‘무언가’이고 그 ‘무언가’가 가득 찬 무대는 세계 전체에 해당한다. 세계는 사물로 이뤄져있으니 결국 무대는 사물의 세계, 온 세계의 사물들이다. 사물은 무엇인가? 사물은 본질이다. 칸트의 ‘물 자체’에 가장 가까운 개념이다. 사물임을 저항하는 존재, 즉 인간과 언어와 행위는 모두 사물화 대상이다. 인간이 사물화되었을 때 물질로서 인간을 가장 잘 이해할 수 있다. 언어 또한 마찬가지. 사물로 가득한 무대와 사물화된 배우들, 하지만 객석은 결코 사물화되지 못한다. 그것은 사물의 한계인가, 사물화의 한계인가.

선연 김수미(연극평론가)

연극을 보고 대본이 궁금해지는 작품들이 있다. 대개는 감동이 클 때나 좋은 대사를 기억하고 싶은 경우인데, 연극 <별>은 좀 더 특별했다. 도박꾼에 술주정뱅이였던 아버지 때문에 남성에 대한 편견과 트라우마를 가진 딸이 아버지의 흔적을 좇다가 자신과 화해하게 된다는 작품의 내용은 자칫 진부해보일 만큼 평이하다. 그런데 작품의 흐름은 이러한 사실과 현상 너머, 인류애를 향해 있다. 자신의 정체성에 집중하느라 좁게 갇힌 딸의 시선을 몸 밖으로 향하게 만든 것은 ‘놀이’다. 너와 나의 경계를 지우고 시간과 공간의 경계를 지워버리는 놀이. 사람 간의 상처를 치유하기 위해 누구에게나 있을 법한 내면의 아이에게 주목한 작가의 선택은 훌륭했다. 어떤 연극은 이렇듯 눈에 보이는 사실 너머의 보이지 않는 것들을 만나게 해준다. 스페인 작가 팔로마 페드레로와 프로젝트그룹 낙타의 이름을 기억하고 싶은 이유이기도 하다.

백승무(TTIS 편집장, 연극평론가)

온갖 소도구가 즐비한 무대는 극장 무대 자체를 의미한다. 배우의 행위는 그 자체로 하나의 공연이다. 움직임 하나 하나는 매순간 선택과 결단으로 이뤄지는 삶의 연속체이다. 그 과정이 하나의 공연으로 탄생한 것이다. 특별한 줄거리는 없다. 인물의 성격도 불분명하다. 특정 주제에 관련된 인물들의 의식이 그대로 쏟아진다. 몰락을 향한 긴장의 축적, 엔딩을 향한 갈등과 감정의 무질서한 응축, 그것이 제목 ‘엔트로피’가 의미하는 바이다. 하지만 심드렁한 관객들의 냉랭한 엔트로피 상승은 어찌할 것인가.

극단 노을 <갈매기>

이연심(TTIS 편집위원)

극단 창단 20년을 바라보는 노을이 어리석은 인간들의 어긋난 사랑과 욕망을 그린 <갈매기>를 정기 공연으로 선보인다.

배우의 숨소리가 들리는 작은 극장에 세워진 무대는 소박하고 간결하다. 객석에서 바라본 무대 정면에는 아주 작은 단(壇)이 놓여 있고 그 위로 흑(黑)과 백(白) 커튼이 내려져 있다. 좌우로 화이트 벽이 세워져 있으며 무대에는 8개의 작은 흰 의자가 놓여 있다. 커튼이 열리면서 공간이 확장되고 무대장치는 탁자 두 개가 전부다. 무대를 뒤덮은 흑과 백은 작은 무대를 크게 사용하는 효과를 만들어 낸다.

번역 투의 거추장스러움을 걷어낸 선명한 대사는 관객의 몰입에 일조하고, 주요 인물의 욕망과 갈등을 중심으로 재구성한 이야기는 속도감 있는 흐름을 만든다. 또한 보리스, 마샤, 샴레프 등 인물에서 찾아낸 어리석음과 유쾌함은 관객으로하여금 비극적 사건 앞에서 자기도 모르게 자꾸 실소(失笑)하게 한다. 흑과 백이 뒤엉켜 서로를 더욱 선명하게 하듯, 탄식과 눈물이 웃음과 뒤엉켜 비극과 희극이 제 모습을 더욱 선명하게 드러낸다.

욕망덩어리 작가 보리스를 가볍고 유쾌하게 표현한 정대용의 연기와 뼛속까지 여배우인 이리나를 무게감 있게 표현한 박지우의 연기 앙상블이 볼만하다. 다만 몇몇 장면에서 보이는 몰입을 방해하는 어색한 연기가 아쉽다.

수진(연극평론가)

한단지몽(邯鄲之夢)이라 했던가. 인생이 한낱 짧은 꿈에 지나지 않는다는 고사처럼 이 작품은 ‘우주의 물방울’같이 작은 존재인 인간의 고단한 삶을 엿보게 한다. 짧은 꿈이라 해서, 작은 존재라 해서, 고단한 삶이라 해서 어찌 가치가 없을까. <우주의 물방울>은 죽음을 앞둔 노부부의 모습을 통해 오늘을 살아가는 우리에게 위로를 건넨다. 작품의 주된 메시지가 독백처럼 인물들의 시낭송으로 이루어지고, 병상의 늙은 아내가 가장 예쁜 시절의 모습으로 표현되며 이야기는 현실과 환상을 오간다. 거기서 오는 모호함은 이해보다 그저 감각하면 좋을 듯하다.

이연심(TTIS 편집위원)

무대는 복싱 체육관의 모습을 무대의 ㄱ자 두 벽면에 사실적으로 구현하여 배치하고, 관객석은 ㄴ자 모양으로 나머지 두 벽면에 배치하여 작은 극장을 효과적으로 사용하고 있다. 작품 제목이 암시하듯 극장에 들어서면 익숙한 뮤지컬 넘버가 연거푸 흘러나와 옹골찬 작은 뮤지컬 한 편을 보게 될 거란 기대를 하게 한다.

오래전 연락이 끊겼던 친모, 그녀의 유산을 받으려면 뮤지컬 한 편을 공연해야 한다. 이런 발칙한 상상이라니! 이야기의 설정은 관객의 흥미를 끌기에 충분하다. 그러나 사업 실패로 뿔뿔이 흩어졌던 가족의 결합, 사춘기 딸래미의 늦은 반항, 땀방울 뚝뚝 떨어지는 뮤지컬 연습, 연습 과정에서 샘솟는 어설픈 멜로 등 각종 클리셰가 뒤범벅된 가운데 우리 사회 소수자 문제와 같은 묵직한 화두가 느닷없이 등장한다.

저마다 다른 모습으로 태어난 사람들이 사회의 정해진 잣대에서 벗어나 각자 자기 기준대로 살아가는 모습은 음악, 안무, 노래, 연기가 각자 제 색깔을 내며 앙상블을 만들어 내는 뮤지컬과 닮았다. 그것이 극중극으로 뮤지컬 형식을 선택한 이유가 아닐까? 그러나 작품의 클라이막스에서 만나게 되는 뮤지컬은 음치, 몸치, 박치의 향연일 뿐, 괜찮은 뮤지컬을 보게 될 것이라는 기대는 여지 없이 무너진다.

그래도 객석은 관객으로 가득 찼고, 관객의 박수와 환호는 후하다. 그러나 끝내 아쉽고 허전하다.

백승무(TTIS 편집장, 연극평론가)

연극 〈바쁜데 뭐하러 왔어, 다 똑같지 뭐〉는 아버지의 임종을 맞이하는 자식들의 이야기이다. 부자간 애틋한 감정과 교감, 혹은 화해를 묘사하는 여타 임종서사와 달리 이 공연은 아버지의 존재를 봉인하고 자식들의 처지와 변명, 그리고 각성을 서술한다. 독특한 문제의식에서 출발했지만, 공연은 구체성 부족과 감정 전달 실패로 인해 무대에 고립되고 만다. 두 아들의 아버지에 대한 적대감이 각각 어디서 기원하는지, 치매 초기인 아버지를 요양원에 모셔야 하는 구체적 이유는 무엇인지, 사촌의 기능은 무엇인지, 며느리의 감정적 급발진은 어떤 것인지 등 관객이 두 아들의 심리적 여정에 동참하기 위해 필요한 구체적 정황설명과 정서적 공감대 형성 작업이 부족하다.

이연심(TTIS 편집위원)

너무 잘 알려진 이야기를 구현하는 일은 잘해봐야 본전이다. 연극뿐 아니라 영화, 무용, 뮤지컬, 오페라 등 다양한 종류의 예술로 변주된 셰익스피어의 로미오와 줄리엣은 더욱 그러하다.

이미 대중의 평가를 받은 전작들과 차별화할 수 있는 복안이 없다면 섣불리 선택하기 힘들다.

<로미오와 줄리엣 The Clown>은 발상이 새롭다. 광대가 들려주는 로미오와 줄리엣!

이야기의 구성은 단순하지만 집중력과 순발력을 장착한 두 광대의 연기는 수많은 베로나의 인물들을 멋지게 일으켜 세우고, 원작의 주요 사건들이 해피엔딩을 원하는 광대들의 욕구와 만나 단단하고 환상적인 이야기로 재탄생한다. 판소리의 고수와 같이 극을 끌어가는 악사의 유려한 연주 솜씨는 이야기판을 깔고 두 광대는 창자가 되어 걸판지게 놀이 한 판을 벌인다. 셰익스피어의 로미오와 줄리엣이 빨간 코의 광대를 만나 새롭게 탄생하는 순간이다. 그 순간 관객의 박수는 그칠 줄 모른다.

무대에는 철제 계단만 남아 있는 미끄럼틀이 서로 마주 보고 있고 그 밑으로는 밧줄, 테니스 라켓, 박스 등 잡동사니가 어지럽게 놓여 있다. 심심한 두 광대가 뭘 하고 놀지 궁리한다. 앙상한 나무 한 그루만 서 있는 시골길 언덕 밑에서 고고와 디디, 두 방랑자가 시시껄렁한 광대 놀음을 하며 고도를 기다리듯… 기시감이 들지만 무슨 상관인가? 이제부터 시작되는 두 광대의 놀이터는 무척 사랑스럽다.

선연 김수미(연극평론가, TTIS 편집위원)

있는 것과 없는 것, ‘존재’에 대한 다소 철학적인 물음을 기분 좋은 템포와 적절한 중량감으로 깔끔하게 풀어낸 작품이었다. 배우의 앙상블도 좋고, 변형 가능한 목공 오브제를 영리한 장치로 요긴하게 활용한 점도 좋았다. 특히 매력적인 부분은 개념의 현상화다. 작품에서 교차 반복되는 개념들 -우연과 필연, 비극과 희극, 가짜와 진짜가 대척점에 있는 반대 개념이 아니라 하나로 이어진 닮은꼴의 개념이라는 사실을 깨닫는 순간, 존재함과 존재하지 않음 즉, 삶과 죽음의 개념도 그저 닮은 꼴의 하나의 형태일 뿐이었음이 새삼스럽게 새로운 사실처럼 다가온다. 마지막 장면-관 뚜껑을 열고 살펴보던 수사관이 무심코 관을 열어둔 채 밥을 먹으러 나가는 짧은 순간-이 작품의 메시지를 함축한다. 연극만에서만 가능한 공감각적 사고의 확장, 매력적인 연극 <be>에서 우리는 그 쉽지 않은 경험을 한다.

이연심(TTIS 편집위원)

자식을 학대하다 죽음에 이르게 한 부모와 가족 동반 자살을 시도하다 자식은 죽고 본인은 살아남은 부모 중 누가 더 나쁠까? 분명한 것은 두 경우 다 자식을 살해한 것은 같다. 아이들에겐 삶에 대한 어떤 선택권도 주어지지 않는 가족 동반 자살은 자식에 대한 부모의 그릇된 소유욕의 표현이며 가정 내 폭력의 극단적인 형태이다. 그런데 왜 우리는 가족 동반 자살에 대해 분노는커녕 “오죽하면 그런 선택을 했을까?”라며 온정적인 태도를 보이는 것일까? 이는 분명 맥락에 따라 살인을 용납하거나 심지어 동정할 수도 있다는 아동 인권과 생명권에 대한 우리 사회의 잘못된 태도를 증명한다.

작품 <가족사진>은 영정 사진만 찍는 사진관을 배경으로 현실 비관을 이유로 가족 동반 자살을 시도하는 한 가족의 이야기를 희극적으로 풀어낸다. 혹 <가족사진>은 가족 동반 자살에 대해 동정적 공감을 기대하고 있는 것일까? 밑도 끝도 없이 함께 죽어야 하는 이유를 감정적인 대사로 쏟아 낸다.

공연 내내 가족이 함께 죽을 수 있는 방법을 찾고, 자식은 부모의 목을 조르고 부모는 자식의 머리에 비닐봉투를 씌운다. 그 과정에서 발현되는 웃음의 코드라니……

가족 동반 자살에 대한 우리 사회의 무뎌진 인권 의식을 보여주는 타산지석의 공연으로 보여진다.

수진(연극평론가)

인간의 지성도, 의지도 결코 닿지 못하는 곳이 있다면 바로 이 작품 속 ‘적(敵)’이 아닐까. 인간으로서의 윤리와 금기된 욕망 사이에서 자기 생명을 포기해야만 닿을 수 있는 ‘적(敵)’. 이 작품의 적(敵)을 마주하는 것은 뜻하지 않게 흥미롭지만, 그만큼 불편하다. 이는 단순히 작품에서 언급되는 ‘강간’, ‘살인’ 등의 문제적 사건들 때문만은 아니다. 적(敵)과 마주하는 순간 인간의 어둡고 잔악한 본연을 들여다보게 되기 때문이고, 그 적(敵)이 타인이 아닌 바로 자기 자신임을 깨닫게 되기 때문이다. 타인과의 관계를 통해 인간의 본성, 특히 잔인한 내면을 그리는 것에 탁월한 아멜리 노통브의 동명소설을 원작으로 한 이 작품은 ‘타인’이 아닌 화장한 듯 다른 모습으로 숨겨둔 어둠의 ‘자아’가 곧 지옥임을 보여준다.

작품은 호텔방과 공항으로 표현된 단순한 무대에서 두 배우의 빠르고 역동적인 대화로 펼쳐진다. 서로 다른 인물이었던 두 배우가 미스터리한 만남을 통해 결국 한 사람이었음을 깨닫게 되는 순간, 갑자기 무대 소품들이 쓰러지거나 떨어지는 다이나믹한 연출을 통해 인물의 각성과 변화를 극적으로 표현했다. 내면의 또 다른 자아와의 갈등은 꽤 자주 무대에서 보아왔던 소재 중 하나이기 때문에 어느 정도 반전이 예상된다. 그러나 정반대의 캐릭터를 현실감 넘치게 표현하는 두 배우의 밀도 있는 연기가 팽팽한 긴장감을 주어 관객들의 몰입도를 높였다.

이연심(TTIS 편집위원)

중장년층의 관객에게 문화적 향수를 자극하는 작품 <쥐덫>은 1952년 초연 이래 전 세계적으로 공연되고 있는 아가사 크리스티의 대표작으로, 작품에 등장하는 모든 사람이 수상하게 느껴지며 심지어 아내와 남편까지 서로 의심하게 되는 고전 추리극이다. 최다 공연 횟수로 기네스북에 오를 만큼 <쥐덫>은 이미 대중에게 잘 알려진 작품이므로 추리극답게 범인을 찾아내는 재미를 기대하기는 어렵다. 그러나 70년이나 더 지난 오늘도 <쥐덫>의 공연장을 찾는 이유는 극장 문이 열리기 전까지 빠져나올 수 없는 살인의 공포, 극한의 공포 속에서 드러나는 인간성의 상실을 창작자들이 얼마나 차별화하여 구현하는지 체험하기 위해서일 것이다. 폭설로 덮혀진 하얀 세상에 핏빛 살인이라는 진부함을 넘어선 새로운 이미지가 어떻게 관객 앞에 펼쳐질지 모르니, 베스트셀러가 스포일러 역할을 할지언정 다시 극장을 찾는 것이 아닐까?

무대에는 고풍스러운 유럽의 거실을 정성껏 옮겨다 놓은 듯 섬세하다. 특히 극장에 들어서면 서 눈이 마주치는 벽난로 위의 초상화는 마치 무대 위에 ‘지켜보는 눈’이 있는 것처럼 섬뜩한 분위기를 자아내는 데 제격이다. 아무도 예상하지 못했던 살인의 단서, 속속 파헤쳐지는 사건의 내막, 배우들이 풍부하고 섬세한 연기, 극적 긴장감을 고조시키는 조명과 음향, 이 모두가 ‘아는’ 작품을 ‘다시 또’ 보게 하는 요소일 것이다.

하지만, <쥐덫>은 폭설에 갇혀 버린 몽크스웰 게스트하우스처럼 흔들리는 연기, 반복적으로 나타나는 부자연스러운 어조, 무대장치의 정교함을 따라가지 못하는 조명과 음향, 극적 긴장감을 방해하는 리듬과 템포 등 사방에 놓인 덫에 걸려 무대 위에 고립되어 버린다. 쥐덫에 걸린 것은 ‘세 마리 눈먼 생쥐(Three Blind Mice)’가 아니라 끝내 채워지지 않는 관객의 기대감이다.

백승무(TTIS 편집장, 연극평론가)

<콤플렉스>는 명작 희곡 등장인물, 그 인물을 연기하는 배우, 그리고 평범한 일상인이 가진 다양한 종류의 콤플렉스를 입체적으로 다룬다. 여러 희곡의 주인공들이 성격적 결함으로 인해 겪는 고통과 시련이 나오고, 간단하지만 활용도가 높은 소품들과 배우들의 역동적인 동선이 무대를 채운다. 관통하는 서사적 흐름은 없지만 다섯 인물, 다섯 배우의 다섯 사연이 아기자기 하게 엮여져 볼거리를 던진다.
안타까운 점은, ‘콤플렉스’라는 흥미로운 소재, 고전 명작의 불꽃 튀는 대사, 배우들의 자연스럽고 진지한 연기, 배역-배우-일상이 반복되는 나쁘지 않은 짜임새에도 불구하고, 공연은 별다른 긴장감을 응축시키지 못한 채 강한 인상 없이 종막에 다다랐다는 것이다. 극적 긴장과 흥미를 확보하기 위해서 어떤 전략과 기법이 필요한지 고민할 필요가 있다.

박연숙(연극평론가/숭실대 교수)

창작그룹 피네의 〈광야The Wilderness〉(작/연출 김국희)는 첫 장면부터 우리 사회의 굵직한 참사들을 보여준다. 삼풍백화점 붕괴와 세월호 침몰, 이태원 압사 뉴스 보도가 이어지고 유골함을 든 지수의 등장으로 <광야>의 주제를 짐작하게 한다. 한때 연극 배우였던 지수는 가정생활을 꾸리느라 배우로 활동하지 못하다가 홀로 키운 아들이 대학생이 된 후 재기의 기회를 잡는다. 그러나 <페드라> 오디션에 합격하여 그녀가 꿈꾸던 무대에 다시 오를 기대에 부푼 상황에서 아들이 이태원 압사 희생자가 됨으로써 재기의 기회를 놓치게 된다.

<페드라>는 이 작품에서 여러 상징성을 갖는다. 지수가 극 중 의붓아들인 이폴릿트 역의 남자 후배에게 이성적 감정을 갖는 점에서 그 자신이 페드라와 동일시 될 여지가 있다. 그러나 비운의 죽음은 페드라 역의 자신이나 이폴릿트 역의 남자 후배가 아닌 아들에게 닥친다. 지수는 아들의 죽음을 자신의 욕망 때문에 일어난 일이라고 생각할까? 김국희 연출은 살아남은 자의 죄책감을 덜어준다. 지수의 욕망이 자연스러운 것이듯 아들의 죽음 또한 누구의 탓이 아니다. 우리가 할 수 있는 것은 우리의 바람에 답하지 않는 광야에서 삶이라는 여행을 위해 묵묵히 걸어 나갈 뿐이다. 광야에는 목마름만 있는 것이 아니다. 마침내 지수는 화려한 금빛 의상을 걸치고 페드라 공연을 올릴 수 있었다. 어둠이 깊어지면 광야에서도 빛나는 별을 볼 수 있듯이.

수진(연극평론가)

무대 정면 세로로 길게 늘어뜨린 여러 갈래의 흰색 천이 마치 화공의 화폭처럼 보인다. 그 위에는 광기 가득했던 역사 속 인물들이 영상으로 투사된다. 일제강점기를 배경으로 한 원작 소설 『광화사』의 이야기는 영상을 통해 오늘 우리의 이야기로 변화를 모색했다. 배우들이 반복해서 부르는 가요 “내일은 해가 뜬다(사노라면)” 역시 동시대 관객에게 손을 내미는 의도적인 시도이다. 작품의 전체적인 이야기를 이끌어가며 주인공 솔거의 삶에 개입하는 작가의 존재 또한 작품과 관객의 거리를 좁혀준다. 이러한 각색과 연출은 광기 서린 예술가 솔거의 비극적인 삶에 초점을 두지 않는다. 오히려 한바탕 신명나는 굿판처럼 관객이 솔거와 소경 처녀의 죽음을 함께 애도하며 그들을 저승길로 잘 보내주는 것에 집중하는 듯 보인다.

그러나 작품이 전제로 하는 인류의 역사가 광기에 휩싸였던 이들에 의해 이어져 왔다는 명제는 영상 속 독재자들의 모습에서 설득력을 잃는다. 뿐만 아니라 작품이 이야기하고자 했던 ‘아름답다’의 원 뜻 ‘나답다’를 향한 인간의 광기는 작품에서 찾아보기 어렵다.

선연 김수미(연극평론가, TTIS 편집위원)

관념에 갇힌 메시지가 불투명하고 지루하게 반복되는 연극은 보여주는 이들도, 보는 이들도 모두 정처 없이 표류하게 만든다.
진실과 거짓을 어지럽게 뒤섞어놓은 장면들이 ‘사실’에 대한 정의를 의심하게 만들지는 몰라도, 그렇게 시작된 의심이 깊이있는 사고로 이어질 만한 밀도있는 전개가 없으면 혼돈만 가중될 뿐이다.
불필요한 액팅과 샤우팅, 무절제한 감정의 난립, 의미를 실종한 대사, 무엇보다도 맨발에 대한 맥락없는 디렉팅은 관리되지 않은 무대(작품)의 총체적인 표상으로 남는다.

박연숙(연극평론가/숭실대 교수)

<혼자서 가라>(김원 작, 정상훈 연출)는 “만남이 깊어지면 사랑과 그리움이 생기고 사랑과 그리움에는 고통이 따르니 무소의 뿔처럼 혼자서 가라”는 <숫타니파타>의 구절에서 유래한 제목이다. 산속 오지 법당에서 고사목으로 불상을 조각하는 외팔이 무명(안두호 분)이 10년 전 연인 창녀 미월(강별 분)을 떠날 때 스스로 위안삼은 글귀이기도 하다. 고아였던 무명에게 불상 조각은 자신의 정체성을 확인하는 중요한 과업이다. 버림받고 놀림 받던 무명에게 유일하게 자신을 증명할 수 있는 일이기 때문이다. 그러나 미월과 관계가 깊어지고 미월이 가정을 꾸리자고 하자 무명은 다시 돌아온다는 거짓 약속만 남기고 떠나버린 것이다. 무명이 미월을 떠난 이유가 불상 조각에 전념하기 위해서라고 스스로 믿고 있었지만 미월이 법당으로 찾아와 무명이 만든 불상을 태우고 그 안에서 사리를 꺼내겠다는 분란을 일으키고 나서야 불상 또한 핑계였다는 것을 깨닫고 자신의 진짜 두려움은 세상으로 나가는 것이었음을 인정하게 된다. <혼자서 가라>는 고사목 너머의 불상을 마음으로 보고 꺼내는 수행처럼 세속적 틀에 갇힌 억눌린 사랑을 자유롭게 풀어 주어 두려움 없이 살아가라는 깊은 의미를 남긴다. 큰 스님(김곽경희 분)의 강력한 에너지와 마귀(김한결 분)와 까치(오세철 분)의 앙상블 또한 잘 어우러진 멋진 작품이었다.

박연숙(연극평론가/숭실대 교수)

다시 봐도 호기심을 끄는 제목이다. <내 웨딩케이크는 누가 먹어버렸나>(김나영 작, 심영민 연출)는 김나영 작가가 20년 전에 쓴 노부부 에피소드에 40대 중년 부부 에피소드가 추가되어 20년 사이 달라진 결혼과 사랑을 성찰하는 신선한 작품이 되어 서울연극제 자유경연작으로 참가했다. 결혼식을 상징하는 웨딩 케익을 정작 결혼식의 주인공들은 맛보지 못한다. 세월이 흐른 후 자신의 웨딩 케익을 누가 먹어 버렸을까를 떠 올리는 것에서 신혼이 주는 달콤함이 사라진 것에 대한 안타까움과 그때의 기억을 붙잡고 싶은 양가적 감정이 묻어나온다. 새로 추가된 40대 중년 부부 에피소드가 먼저 오르고 기존의 80대 노부부 에피소드가 이어졌다. 이혼한 전남편이 폐암 말기 진단을 받고 전부인과 딸을 위해 빌딩을 짓고 유산 상속을 위해 혼인신고를 제안하는 40대 중년 부부 에피소드는 비현실적이지만 관객들의 눈물을 이끄는 데는 성공적이었다. 전남편의 든든한 지원과 사랑 덕분에 생활에 대한 고민 없이 시종일관 철없이 명랑한 모습인 전부인 김영(조주연 분)은 만화 주인공 같은 느낌이라서 거리감이 있었지만 전부인과 딸에 대한 사랑과 걱정을 간직한 채 어쩔 수 없이 떠나야 하는 전남편 이주현(김윤태 분)의 심경은 충분히 감동적이었다. 이어지는 80대 노부부 에피소드는 현실적이면서도 생생한 캐릭터가 돋보였고, 감각적 연기(김종칠·성경선) 덕분에 웃음을 멈출 수 없는 코미디로 완성되었다. 눈물과 웃음의 대비, 낭만과 현실의 대비가 잘 어우러진 균형감 있는 작품이었다.

수진(연극평론가)

낭만적인 제목에 담긴 이야기는 더없이 차갑고 냉혹하다. 그러나 가장 비극적인 것은 ‘은의 밤’이 인류의 역사 속에서 반복될 거라는 암묵적 사실이다. 이 작품은 크게 세 개의 전쟁 이야기가 중첩되어 있다. 전체적인 이야기의 중심축이 되는 것은 이다, 아니타, 탈영병의 이야기로 전쟁의 참상을 직관적으로 보여준다. 반면 정치적 대의명분을 위해 전쟁을 선택하는 남편 도준과 그 선택을 제지하려는 아내 코라의 갈등은 관객으로 하여금 전쟁에 대한 사유와 가치 판단을 가능하게 한다. 병렬로 제시되는 두 이야기와 달리 도준과 코라의 자녀 모라와 마논의 이야기는 극 전체를 포괄하면서 모호한 언어들로 전쟁을 이미지화한다. 특히 은빛 칼을 들고 반복해서 등장하는 마논의 대사는 왜 이 작품의 제목이 ‘은의 밤’인지를 암시한다.

작품에서 가장 흥미로운 점은 각각의 이야기가 하나로 연결되어 있다는 사실이다. 작품은 전쟁 중에 태어난 도준을 중심으로 3대의 이야기를 과거, 현재, 미래로 펼쳐놓는다. 이질적으로 느껴지는 의상과 분장은 각기 다른 세대의 차이를 반영했기 때문이다. 반면에 눈부신 흰색이 강조되는 단일한 무대는 비현실적인 공간으로 모든 세대의 이야기를 펼치기에 용이했다. 이러한 섬세한 연출을 통해 전쟁으로 인한 비극의 보편성 및 극한에서도 피어나는 인간애와 생명력이 작품 안에 잘 녹아든 듯하다.

김영은(연극평론가)

새까만 썬그라스를 낀 황보라는 시각장애인으로서 향수회사 CEO로 일하고 있다. 돈 잘 버는 직업 덕에 집안에 명품 그림과 도자기들을 소장하고 성공한(?) 삶을 꾸려가고 있다. 반면, 한집에 사는 남편과 아들은 앞 못 보는 그녀 앞에 눈 가리고 아웅 하며 눈앞의 이익과 욕망만 좇으며 살아가고 있다. 황보라가 귀하게 여기는 소장품들을 팔아 자신의 욕구를 충족시키는 데 허비하거나 벌건 대낮에 애인까지 집안으로 불러들여 불륜 행각을 벌이거나 하면서 말이다. 그러나 아뿔사! 영원히 보지 못할 줄 알았던 황보라의 시력은 비밀리에 이루어진 수술로 회복되는데…, 그녀는 가짜 명품들로 장식된 집안을 보게 되고, 코앞에서 쉽게 벌어지는 거짓말과 거짓 행위들을 마주하게 된다. 남편과 아들도 그녀가 볼 수 있게 됐다는 사실을 뒤늦게야 알고, 그녀의 선글라스 뒤에 감춰져 있던 부릅뜬 두 눈을 마주하게 된다.

아뿔사! 아수라장 같은 현실! 보고 또 보고, 다시 또 보아도 믿어지지 않는 이 현실! 혹시 우리도 그같은 가짜 현실에서 살아가는 것은 아닌지…

뻔한 줄거리와 억지스러운 연기가 좀 불편하다 싶었는데, 어쩌면 그것마저도 우리가 보지 못하고 살아가는 이 가짜현실을 들추어내기 위해 사용한 의도적 연극장치였나?

김영은(연극평론가)

네 명의 여배우들이 감독 앞에서 오디션을 보는 것으로 연극이 시작된다. 씹팔년, 이씹팔년, 사씹년, 어린년이 관객석을 정면으로 보고 나란히 앉아, 이름에서 보듯 나이에 걸맞게, 각각 개성 넘치는 아우라를 뽐낸다. 마침내 오디션에 합격한 이들은 <갈매기> 공연 연습을 위해 다시 모이고, 배역 선정과 리딩 작업을 거쳐, 7일 차, 18일 차 등으로 이어지는 연습과정들을 같이 한다. 사씹년이 니나를?, 씹팔년이 뽈리나를?, 이씹팔년이 마샤를?… 각자 자기에게 어울리지 않는 배역 선정 때문에 불만의 소리들이 무대에 난무한다. 이어지는 연습과정에서도 각각 서로를 향한 비판의 소리들이 이어진다. 또 실제 배우들의 관계 속에서도, 유명 선배 배우에게 아양을 떨거나, 감독과 썸타기를 하여 캐리어 관리를 하는 등, 여배우들 간의 팽팽한 기싸움은 계속된다.

무대는 이렇게 시기와 질투, 욕망 등, 여배우들 사이에 흐르는 극단적 감정들을 표출하는 데 집중하면서 그 경쟁적 기류를 그린다. 그리고 그 이면에, 타인에 의해 또는 자기 자신에 의해 규정됐던 고정적 이미지들의 실체가, 잘못된 시선에 의해 만들어졌던 현실적 오류들이 서서히, 조금씩 드러나게 만든다.

김영은(연극평론가)

어촌 마을, 한 집안의 내부다. 심적 고통의 무게를 힘겹게 껴안고 살아가는 어머니, 그 어머니를 보살피며 빵 만들고 옷 정리하고 낚싯줄을 가다듬는 등, 일상생활을 꿋꿋이 해나가고 있는 두 딸. 아들도 여럿이 있었지만 다 죽고 이제 둘만 남았다. 그중에 형 미카엘은 바다에 나가 행방불명이 된(사실은 죽은) 상태, 이제 남은 막내아들이 또다시 바다를 향해 나서고 있다. 형이 입었던 셔츠를 입고 형이 썼던 낚싯줄을 들고, 숙명처럼 그 바다를 향해 또다시 떠난다.

무대 상수 쪽에 놓인 배 모양의 관은 이미 죽은 미카엘을 그리고 앞으로 죽어 돌아올 바틀리를 상정하고, 무대 안쪽에 설치된 스크린 영상은 생업의 현장이자 죽음의 위협이 도사리는 바다를 상정한다. 공포와 불안감이 시종일관 짙게 깔린 무대 위에 그렇게 남겨진 여자들만의 힘겹고도 강인한, 평범한 일상은 계속된다. 심플한 무대 언어와 구성을 통해 평범한 일상은 슬픈 시처럼 잔잔하게, 잔잔하게만 흘러 퍼진다.

수진(연극평론가)

어린 시절 추억을 떠올리는 제목으로 눈길을 끈 <얼음땡>은 냉동인간이었던 아버지가 깨어나면서 벌어지는 해프닝을 통해 상처 깊었던 가족의 화해와 회복을 그린다. 작품 속 인물들은 어느 하나 평범하지 않고 문제적이다. 이들은 모두 각자의 결핍과 상처에만 머문 채 살아왔지만, 30년만에 냉동인간에서 깨어난 아버지 태준과의 시간을 통해 성장한다. 이 가족이 서로를 이해하고 관계를 회복하는 데에는 긴 시간의 간극이 필요했고, 냉동인간은 이 간극을 메우기 위한 장치로 사용된다.

평범한 거실을 옮겨놓은 듯한 사실적인 무대는 문제 많은 가족의 모습을 현실적으로 보여준다. 그러나 무대 벽면의 절반 중 윗부분을 스크린처럼 활용하고 영상을 투사하여 장소의 변화나 비현실적인 장면의 이미지를 그려낸다. 또한 영상뿐만 아니라, 조명을 이용한 그림자를 투사하여 인물에 대한 이미지를 감각적으로 표현하기도 한다. 냉동인간이 깨어난다는 극적인 소재와 시대를 막론하고 공감대를 형성하는 가족 사이의 갈등을 다소 과장된 캐릭터와 코믹한 설정으로 유쾌하게 풀어냈다.

선연 김수미(연극평론가, TTIS 편집위원)

진실에 대한 공방은 연극에서 자주 다뤄지는 흔한 주제다. 같은 주제의 비슷한 이야기를 하는 연극인데도 어떤 작품은 유독 다르게 느껴질 때가 있다. 그 쉽고도 어려운 차이에는 조화로움이 있다. 특별할 것 같지 않은 내용을 반짝거리게 하는 작가의 필력, 그런 작품의 맥락과 핵심을 잘 읽어낸 연출가의 통찰력, 작가와 연출가가 엮어 만든 마법의 양탄자 위에서 90여 분을 멋지게 살아내는 배우. 이 모든 것의 합이 맞아떨어질 때, 관객은 진부한 주제 속에서도 빛을 보고 진동을 느낀다. 하나의 연극이 이루어질 때, 그 누구보다도 제일 먼저 자신의 속살을 마주해야 하는 사람은, 배우다. 배우가 얼마나 용기 있게 자신의 진실과 정직하게 마주했는가가 관객이 느끼는 전율의 정도를 가늠한다. <속살>은, 계속되어도 좋을 연극이다. 우리가 차마 꺼내놓을 수 없던 속살을 기어코 마주치게 하는, 마주할 수밖에 없어서 아프지만 결국 마주했기 때문에 웃을 수 있게 만들어주는 연극이다.

김영은(연극평론가)

무대는 탄광과도 같은 감방이다. 그 감방 속에 두 명의 죄수들이 갇혀있다. 이따금 들려오는 굴착기 소리는 실제인가 망상인가? 이 두 명의 죄수는 <맥베스> 연극을 연기하며 시간을 보내는데, 실제 자신의 억울한 현실과 비극적 운명을 거기에 투영하면서 그 시간을 견딘다. 악령들과 맥베스, 맥베스와 뱅쿠오, 맥베스와 맥베스 부인, 맥베스와 덩컨왕, 맥베스와 맥더프! 이렇게 많은 역할을 서로 바꿔가며 환상의 찰떡궁합 연기를 펼치는데, 그 앙상블 연기를 보는 것이 바로 이 연극의 묘미다. 상대를 단검으로 찌를 때 한 번에 찌르지 않고 여러 번 찔러서 극적 중요도를 고의적으로 높이는 장면, 칼로 찔러 죽인 후 잠 못 들고 괴로워하는 밤들을 나타내려고 두 몸이 거꾸로 붙어 하나된 몸을 느린 속도로 반복하여 회전시키는 장면, 트럼프 카드를 배열해놓고 그것을 실제 인물처럼 상대하며 연기하는 장면 등, 두 배우는 소품을 거의 쓰지 않고 단출한 몸만으로 다양한 의미와 장면들을 형상화해낸다. 상대가 어떤 새로운 액션을 제시한다 하더라도 그 모든 것들을 다 받아칠 기세다.

호흡이 척척 맞는 이 연기들도 이제는 더욱 서둘러 전개시켜야 한다. 굴착기 소리가 점점 더 가까이 들리고…, 누군가 오기 전에 이 연기를 다 끝내야 한다. 시간이 가면 갈수록 멕베스가 점점 피폐해져 가듯이, 연기에 박차를 가하면 가할수록 밖에서 들려오는 굴착기 소리는 점점 더 가까워진다.

무대는 다급하지만, 관객은 흡족하다.

박연숙(연극평론가/숭실대 교수)

연극<THE BIG MEAL>(Dan LeFranc 작, 김석이 연출)은 ‘2017년 한국메세나’의 기업매칭펀드 지원사업에 선정되어 국내 초연이 이루어졌고 2019년 같은 방식으로 재공연한 것에 이어 2021년에는 더블캐스트로, 2022년에는 대전 국제 소극장 연극축제 공식 초청작으로, 2024년에는 제45회 서울연극제 자유참가작으로 무대에 오르며 대중성과 작품성을 인정받은 작품이다. 8명의 남자와 여자(안꽃님, 김기준, 김미승, 김진곤, 김민경, 김영웅, 박혜림, 이효정 분)가 순식간에 역을 번갈아 바꾸는 재미와 유일하게 고정된 역할을 연기하는 서버(정빈 분)로 구성되어 있는데, 5대의 가족을 8명의 배우가 다채롭게 연기하는 것과 대조되어 서버는 죽음의 만찬을 서빙하는 것 외에는 인상적인 역할을 하지 않는다. 죽음의 만찬이 스포트라이트를 받으며 고요하고 느리게 연출되는 만큼 서버의 역할을 고정하는 것에는 설득력이 있었다.

90여 분간 90여 년의 다섯 세대를 짧게 스케치하는 것이라 가족에 대한 깊은 통찰을 기대하기는 어렵지만 늙음과 죽음이 우리의 일상에 함께 하고 있다는 것을 잘 표현했고 가족에 대한 사랑과 감사를 느끼게 해 주는 작품이라는 점에서 앞으로도 꾸준히 대중의 사랑을 받으리라 기대된다.

김영은(연극평론가)

청계천 주변의 작은 마트에 딸린 식구들이 많다. 우편집배원이었던 호원과 딸 둘, 그리고 그 아이들의 고모, 마트점원 성원과 그 여동생.

호원은 더이상 일도 나가지 못한 채, 막걸리만 마시며 시름의 나날들을 보내고 있다. 불의의 사고로 죽은 둘째 딸 가현이 때문이다. 발랄한 재롱둥이 막내딸 서현이와 그녀의 짝꿍 성원이 여동생, 의젓한 큰딸 정현이, 그리고 엄마역까지 톡톡히 해내며 마트를 꾸려가는 시끄러운 고모 덕에 마트 앞은 늘 부산하고 소란스럽지만, 호원의 깊은 슬픔을 달래주지 못한다. 마트 앞을 오가며 수시로 드나드는 동네 사람들도, 옛 동료 직원 집배원도 애정 어린 관심으로 그를 예전과 같이 대하며 농담도 건네지만, 그칠 줄 모르고 주룩주룩 흐르는 호원의 눈물은 이러한 그들의 소소한 일상 속으로 젖어 들어가지 못한다. 호원의 슬픈 침묵은 왁자지껄한 웃음소리들에 대비되어 더욱 강한 효과를 발휘한다. 그러나 상대적으로, 가현이 사건의 전말과 그것이 가족과 갖는 상관관계가 모호하게 처리되어 서사의 깊이감은 떨어진다.

무대 위는 마트 전면으로, 또 그 안에 진열된 먹거리들로 꽉 차 있고, 마트 앞은 많은 인물이 등장하여 빼곡하다. 좀 답답한 감이 있지만, 청계천의 좁은 골목거리와 북적거리는 인파들을 상상하기에 충분하다.

결국, 호원이 다시 일어나 우편집배원 옷을 입고 출근길에 오르며 연극은 막을 내린다. 소소한 기쁨, 작은 행복들이 가득한 청계천 골목을, 그 소소한 일상의 소음들을 등에 업고 미소를 지으며!